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DI ANDREA GOLEMBIEWSKI
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Per una nuova didattica
Per una nuova didattica 1387 924 Andrea

Prendo spunto da questa vignetta postata da un caro amico (Claudio), per condividere qualche riflessione dopo circa dieci anni nell’ambito della didattica della musica e della musicoterapia, ma anche a seguito delle mie esperienze, alcune positive e altre meno, da studente.

L’uso di un unico metro di valutazione per tutti gli studenti può essere limitante e non tener conto della diversità degli stili di apprendimento, delle abilità e dei background degli studenti. Alcune ragioni per cui secondo me un unico sistema di valutazione può essere problematico:

  1. Diversità degli Stili di Apprendimento: Gli studenti apprendono in modi diversi. Alcuni potrebbero eccellere in test scritti, mentre altri potrebbero mostrare la loro comprensione meglio attraverso presentazioni orali, progetti o attività pratiche.
  2. Equità: Un unico sistema di valutazione potrebbe favorire certi gruppi di studenti a scapito di altri, in particolare se il sistema di valutazione non tiene conto delle diverse esperienze culturali, linguistiche o socio-economiche degli studenti. Ad oggi si tiene conto più che altro di disabilità diagnosticate clinicamente (ed è già un buon risultato).
  3. Valutazione Olistica: Concentrarsi su un unico tipo di valutazione può non fornire una visione completa delle abilità e delle competenze di uno studente. Ad esempio, un test standardizzato potrebbe misurare la capacità di memorizzazione, ma non la creatività, il pensiero critico o le abilità interpersonali.
  4. Motivazione: Un unico sistema di valutazione può influenzare negativamente la motivazione degli studenti, in particolare se sentono che il sistema non riflette accuratamente le loro abilità o sforzi.
  5. Sviluppo di Competenze Varie: Se gli studenti vengono valutati solo su un tipo di compito o abilità, potrebbero non avere l’opportunità o la motivazione per sviluppare una gamma più ampia di competenze (e dunque, di esplorare e coltivare i propri talenti).

A proposito della didattica frontale

La didattica frontale, nozionistica e trasmissiva, in cui l’insegnante trasmette informazioni e gli studenti sono visti come “contenitori vuoti da riempire”, è stata per molto tempo il modello dominante in molti sistemi educativi, compreso quello italiano. Io stesso ho vissuto esperienze poco soddisfacenti con questo tipo di didattica, che non ho mai trovato “adatta” per me. Cosa ancor più grave secondo me è che questa didattica si afferma soprattutto a livello universitario, dove accade che i docenti siano professionisti e non abbiano alcuna idea di quanti e quali modelli educativi esistano: il requisito per la selezione è una brillante carriera professionale (laddove un comune docente scolastico deve obbligatoriamente integrare il suo percorso in musica, matematica, storia ecc. con esami di materie antropo-psico-pedagogiche). Pertanto gli esami a livello accademico sono spesso nozionistici e non misurano una vera consapevolezza e padronanza dei concetti da parte degli studenti. A prescindere dalla mia aneddotica esperienza, la ricerca educativa e la scienza dell’apprendimento hanno messo in discussione l’efficacia di questo approccio in termini di apprendimento profondo e duraturo.

Ecco alcune considerazioni a riguardo:

  1. Apprendimento Attivo: La ricerca ha dimostrato che l’apprendimento attivo, in cui gli studenti sono coinvolti attivamente nel processo di apprendimento attraverso discussioni, problem solving, progetti e altre attività, è generalmente più efficace della semplice lezione frontale. L’apprendimento attivo aiuta gli studenti a costruire la loro comprensione e a collegare nuove informazioni a ciò che già sanno. Ad esempio, uno studio pubblicato nella rivista “Proceedings of the National Academy of Sciences” ha trovato che le classi che utilizzano metodi di apprendimento attivo hanno tassi di fallimento significativamente più bassi e miglioramenti nelle prestazioni degli esami rispetto alla didattica frontale*.
  2. Apprendimento Significativo: L’approccio nozionistico tende a promuovere un apprendimento superficiale, in cui gli studenti memorizzano informazioni per passare un esame ma potrebbero non comprenderle veramente. L’apprendimento significativo, al contrario, avviene quando gli studenti collegano nuove informazioni a concetti esistenti, rendendo l’apprendimento più profondo e duraturo.
  3. Motivazione: La didattica trasmissiva può non tener conto degli interessi e delle motivazioni individuali degli studenti. Approcci più centrati sullo studente, come l’apprendimento basato su progetti o l’apprendimento basato su problemi, possono aumentare la motivazione e l’engagement degli studenti.
  4. Sviluppo di Competenze: Il mondo moderno richiede competenze come il pensiero critico, la risoluzione dei problemi, la collaborazione e la comunicazione. Una didattica puramente frontale e nozionistica potrebbe non essere la migliore per sviluppare queste competenze.
  5. Diversità degli Studenti: Gli studenti hanno stili di apprendimento, esperienze e background diversi. Un approccio unico e frontale potrebbe non soddisfare le esigenze di tutti gli studenti.

Detto ciò, ci sono momenti in cui la didattica frontale può essere appropriata, come quando si introduce un nuovo concetto o si fornisce una panoramica di un argomento. Tuttavia, per un apprendimento profondo e duraturo, è importante integrare vari approcci didattici e metodi pedagogici.

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Quindi, quali alternative?

Ci sono diversi metodi e approcci didattici che si allontanano dalla tradizionale didattica frontale e nozionistica, favorendo invece un apprendimento più attivo, centrato sullo studente e basato sull’esperienza. Ecco alcuni dei metodi più noti:

  1. Apprendimento Basato sui Problemi: Gli studenti lavorano in gruppi per risolvere problemi complessi e reali. Questo metodo promuove il pensiero critico, la collaborazione e l’applicazione pratica delle conoscenze.
  2. Apprendimento Basato su Progetti: Gli studenti lavorano su progetti a lungo termine che richiedono la ricerca, la collaborazione e la creazione di un prodotto o di una presentazione. Questo metodo enfatizza l’apprendimento profondo e l’applicazione pratica delle competenze.
  3. Flipped Classroom (Classe Capovolta): Gli studenti studiano il materiale a casa, spesso attraverso video o altre risorse online, e poi utilizzano il tempo in classe per attività pratiche, discussioni e chiarimenti.
  4. Apprendimento Cooperativo: Gli studenti lavorano in piccoli gruppi e sono responsabili sia del proprio apprendimento sia di aiutare i loro compagni di gruppo a comprendere il materiale.
  5. Montessori: Un approccio educativo basato sull’autodirezione, l’apprendimento pratico e il gioco. Gli studenti sono liberi di scegliere le attività basate sugli interessi personali e di lavorare al proprio ritmo.
  6. Reggio Emilia (Reggio Children): Un approccio basato sull’idea che i bambini costruiscono la propria conoscenza attraverso le interazioni con gli altri e con il mondo che li circonda. L’ambiente di apprendimento è considerato un “terzo insegnante”.
  7. Waldorf (o Steiner): Un approccio che enfatizza l’immaginazione nell’apprendimento e si concentra sull’educazione dell’intera persona, integrando aspetti accademici, artistici e pratici.
  8. Apprendimento Basato sull’Inchiesta: Gli studenti sono guidati attraverso un processo di formulazione di domande, ricerca di risposte e riflessione.
  9. Portfolio: Gli studenti raccolgono e riflettono sui propri lavori nel corso del tempo, dimostrando la loro crescita e apprendimento in vari ambiti.

Questi sono solo alcuni esempi dei molti approcci didattici che cercano di rendere l’apprendimento più attivo, significativo e centrato sullo studente. Molti educatori combinano elementi di questi metodi per creare un ambiente di apprendimento che soddisfi al meglio le esigenze dei loro studenti.

Un’influenza significativa per me è stata la lettura degli scritti di Carl Rogers. Lo psicoterapeuta americano è una figura fondamentale nel campo della psicologia e dell’educazione, noto per il suo approccio “centrato sulla persona” o “centrato sul cliente” in terapia. Questo approccio ha avuto un impatto significativo non solo sulla psicoterapia, ma anche sulla pedagogia e sulla didattica.

L’approccio centrato sulla persona di Rogers si basa su alcuni principi chiave:

  1. Rispetto per l’Individuo: Ogni individuo ha il diritto e la capacità di guidare il proprio apprendimento e sviluppo.
  2. Autodeterminazione: Gli individui hanno la capacità intrinseca di comprendere se stessi e il mondo che li circonda, e di fare scelte che promuovano la loro crescita e benessere.
  3. Relazione Autentica: L’importanza di una relazione autentica tra l’educatore e lo studente, in cui l’educatore mostra empatia, accettazione incondizionata e congruenza (autenticità).

La mia proposta educativa

L’approccio educativo che propongo è profondamente centrato sulla persona, prendendo spunto dalle idee di Carl Rogers e dai miei studi di musicoterapia. Questo metodo pone l’individuo al centro del processo di apprendimento, riconoscendo e valorizzando la sua unicità, i suoi interessi e le sue aspirazioni. L’educatore non è più un semplice trasmettitore di informazioni, ma diventa un facilitatore che supporta e guida lo studente nel suo percorso di scoperta e crescita. Fondamentale in questo approccio è il concetto di autodeterminazione: si riconosce che ogni studente ha la capacità intrinseca di guidare il proprio apprendimento, fare scelte e assumersi la responsabilità del proprio percorso educativo. In questo ambiente, l’apprendimento diventa un’esperienza significativa, autentica e profondamente personale, in cui lo studente è attivamente coinvolto e motivato a esplorare, riflettere e crescere.

baby listening in black headset
  • * https://pubmed.ncbi.nlm.nih.gov/32152114/
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Mancinismo e Chitarristi: Sono più Creativi? Serve una Chitarra Mancina?
Mancinismo e Chitarristi: Sono più Creativi? Serve una Chitarra Mancina? 1232 924 Andrea

La relazione tra mancinismo e chitarristi è un argomento che ha suscitato un considerevole interesse nel campo della musica e della neuroscienza. Sebbene il mondo sia prevalentemente destro, una percentuale significativa di persone, tra cui molti musicisti di successo, sono mancini. Questa distinzione ha implicazioni uniche per l’apprendimento, l’esecuzione e l’adattamento strumentale.

Il mancinismo, definito come una preferenza per l’utilizzo della mano sinistra rispetto alla destra per attività come scrivere e mangiare, si verifica in circa il 10% della popolazione (Gilbert & Wysocki, 1992). Esistono varie teorie sul perché le persone sviluppano questa preferenza, tra cui la genetica, le condizioni prenatali e le differenze neurologiche (McManus, 2002).

Dal punto di vista neurologico, le differenze tra mancini e destrimani possono influenzare l’approccio all’apprendimento musicale. Un importante studio di Jancke et al. (2007) ha mostrato che i musicisti mancini mostrano una maggiore attivazione nell’emisfero destro del cervello, associato alla percezione musicale e alla creatività.

Quando si tratta di suonare la chitarra, i chitarristi mancini si trovano di fronte a una decisione iniziale: dovrebbero imparare a suonare una chitarra destra, una chitarra sinistra o una chitarra destra capovolta? La scelta può avere un impatto significativo sulla tecnica chitarristica e sull’acquisizione di abilità.

Le chitarre per mancini sono disponibili, ma meno diffuse e varie di quelle destre. Suonare una chitarra destra capovolta può portare a difficoltà tecniche, poiché l’ordine delle corde e la posizione dei controlli sono invertiti. D’altra parte, imparare a suonare una chitarra destra può essere inizialmente scomodo per i mancini, ma può offrire un più ampio accesso a strumenti e risorse pedagogiche.

musician, guitarist, jimi hendrix

Nonostante queste sfide, ci sono numerosi esempi di chitarristi mancini di successo che hanno prosperato in vari modi. Jimi Hendrix, ad esempio, è famoso per aver suonato una chitarra destra capovolta. Paul McCartney, un mancino, suona un basso per mancini. Questi musicisti hanno non solo superato le sfide del mancinismo, ma hanno utilizzato la loro unicità per innovare il loro stile di suonare.

Alcune ricerche suggeriscono che i musicisti mancini possono avere vantaggi. Cashmore et al. (2008) hanno riscontrato che i musicisti mancini erano sovrarappresentati nei campioni di musicisti di alto livello. Potrebbe essere che le differenze cognitive e neurologiche associate al mancinismo portino a un approccio creativo e innovativo alla musica.

man in blue shirt and black pants standing on brown wooden ladder

In conclusione, il mancinismo e i chitarristi rappresentano un campo di indagine stimolante, che evidenzia l’interazione tra la preferenza manuale, la neurologia e l’espressione artistica. Nonostante le sfide, i chitarristi mancini hanno dimostrato capacità notevoli e uniche nel panorama musicale.

Le ricerche scientifiche e le esperienze di chitarristi di successo suggeriscono che il mancinismo, con le sue implicazioni uniche, può essere un fattore chiave per ispirare l’innovazione e l’eccellenza musicale.

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Cinque tra i Migliori Modelli di Chitarra Elettrica Che Hanno Fatto la Storia
Cinque tra i Migliori Modelli di Chitarra Elettrica Che Hanno Fatto la Storia 1430 924 Andrea

Il mondo della musica è pieno di icone e, tra queste, alcuni modelli di chitarra elettrica hanno segnato la storia, diventando veri e propri simboli di un’era. Scopriamo insieme cinque di questi strumenti, soffermandoci sui dettagli costruttivi e sugli artisti che li hanno resi immortali.

1. Fender Stratocaster

white and black stratocaster electric guitar on brown sofa

Realizzata per la prima volta nel 1954, la Stratocaster è probabilmente la chitarra più riconoscibile al mondo. Jimi Hendrix e la sua “Voodoo Child” ne sono il testimonial più iconico. La Stratocaster si caratterizza per la sua forma “a doppio cutaway”, un corpo in ontano o frassino, un manico in acero e una tastiera in acero o palissandro. I suoi tre pickup single-coil e l’interruttore a 5 posizioni offrono una vasta gamma di tonalità, dalla timbro squillante del pickup al ponte al suono cremoso e bluesy di quello al manico, passando per le posizioni intermedie e i loro timbri funkeggianti.

2. Gibson Les Paul

sunburst electric guitar

Introdotto nel 1952, il modello Les Paul di Gibson è diventato uno dei pilastri portanti del rock e del blues, grazie a musicisti come Slash dei Guns N’ Roses. Famosa per il suo suono caldo e medioso, la Les Paul è costruita con un corpo in mogano, spesso con un top in acero per aggiungere brillantezza. Due pickup humbucker assicurano una potenza sonora formidabile. La Les Paul è una chitarra che può spaziare dai puliti jazz alle sonorità più high gain.


3. Gibson SG

Il modello Gibson SG è un altro simbolo intramontabile nel mondo della chitarra elettrica. Lanciata nel 1961 come una versione più sottile e leggera del modello Les Paul, l’SG (Solid Guitar) è diventata famosa grazie a musicisti leggendari come Angus Young degli AC/DC. Con il suo doppio “cutaway” che permette un accesso senza ostacoli ai tasti superiori, l’SG è amata per la sua versatilità tonale e la sua suonabilità. La chitarra presenta un corpo in mogano che offre un suono caldo e ricco, un manico set-neck anch’esso in mogano per una risonanza ottimale e due pickup humbucker per un suono grosso e potente. La forma unica “a diavoletto” e il suono distintivo dell’SG la rendono perfetta per molti generi, dal blues classico al rock più duro.

4. Ibanez RG

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La serie RG di Ibanez, introdotta negli anni ’80, è diventata un pilastro del metal e dello shred, grazie alla sua suonabilità e al suo suono tagliente. Steve Vai e la sua “JEM” ne sono l’esempio perfetto. Questo modello è costruito con un corpo solitamente in tiglio o mogano, un manico veloce in acero e palissandro e una configurazione di pickup HSH (humbucker-single-humbucker) o HH per una versatilità tonale eccezionale. Adatta per chi vuole “correre”.

5. Fender Telecaster

brown and white stratocaster electric guitar

Dall’anno della sua nascita, il 1950, la Telecaster ha attraversato generi e decadi, rimanendo un’icona immutata. Bruce Springsteen è solo uno dei musicisti che hanno fatto di questo modello un classico. La “Tele” è conosciuta per il suo suono brillante e penetrante, grazie a un corpo in ontano o frassino, un manico in acero e due pickup single-coil. Questo strumento è famoso per la sua versatilità, e può spaziare dal country, al jazz fino ad arrivare al blues e rock.

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Questi cinque modelli hanno segnato la storia della chitarra elettrica, ciascuno con le sue peculiarità costruttive e sonore, la sua storia e gli artisti che ne hanno sancito l’immortalità. Dal blues al metal più aggressivo, la chitarra elettrica si è dimostrata uno strumento capace di attraversare generi e decadi, mantenendo sempre il suo fascino intramontabile.

capotasto o morsetto
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Cos’è il Morsetto che si Applica sulla Chitarra
Cos’è il Morsetto che si Applica sulla Chitarra 679 531 Andrea

Il Morsetto che si Applica sulla Chitarra: Tutto quello che Devi Sapere sul Capotasto Mobile

Se sei un appassionato di chitarra, o semplicemente un principiante, ti sarei chiesto cosa sia quella pinza o morsetto che si applica sul manico della chitarra. Ma che cos’è esattamente? Questo misterioso accessorio è noto come capotasto mobile, un accessorio chiave per ogni chitarrista. Questo articolo ti guiderà attraverso tutto quello che devi sapere sul capotasto mobile, dai suoi vari usi alla sua importanza nello sviluppo del tuo suono unico.

Il capotasto mobile, o capo, è un dispositivo che si applica sul manico della chitarra, permettendo ai musicisti di modificare l’intonazione delle corde senza dover riaccordare lo strumento. Funziona essenzialmente come un capotasto “mobile”, da cui il nome, spostando il punto zero da cui le corde iniziano a vibrare (capotasto, o nut) lungo il manico.

Uno degli usi più comuni del capo è di cambiare la tonalità di una canzone senza dover modificare la forma degli accordi. Questo è particolarmente utile per i cantanti, che possono usare il capo per adattare la canzone al loro registro vocale. Ad esempio, se una canzone è in Sol maggiore ma risulta troppo bassa per la voce del cantante, applicando il capo sul terzo tasto si trasforma l’accordo in Si bemolle maggiore, rendendo la canzone più alta di un tono e mezzo.

Se sei alle prime armi con la chitarra, l’uso del capotasto può rivoluzionare la tua pratica. Questo strumento è particolarmente utile per i principianti che desiderano suonare brani con molti accordi con barrè, utilizzando invece le più semplici forme aperte. Per illustrare, facciamo un esempio: prendiamo un brano in tonalità di Reb (composto dagli accordi Reb – Sibm – Mibm – Lab7). Trasponendo il brano con l’applicazione del capotasto mobile al primo tasto, possiamo trasformare questi accordi in una progressione più accessibile: Do – Lam – Rem – Sol7. Mantenendo la tonalità originale, il capotasto mobile semplifica la suonabilità del brano eliminando l’uso di accordi con barrè. Scoprire come usare il capotasto può essere un game changer nella tua evoluzione chitarristica, rendendo più accessibili brani che prima sembravano fuori portata.

Un altro uso del capo riguarda l’uso di accordature alternative. Molti chitarristi utilizzano accordature aperte, che accordano la chitarra in modo che suoni un accordo anche senza premere alcun tasto. In queste situazioni, un capo può essere usato per cambiare la tonalità dell’accordatura aperta, permettendo al chitarrista di esplorare nuove sonorità senza dover riaccordare lo strumento.

Ma il capo non è solo comodo. Può anche essere usato per creare effetti sonori unici. Ad esempio, applicando il capo su alcuni tasti e lasciando le altre corde aperte, puoi creare sonorità differenti.

In conclusione, il capotasto mobile, ovvero il “morsetto” chitarristico, è un accessorio essenziale per ogni chitarrista, che offre una serie di opzioni creative e pratiche. Non importa se sei un principiante che cerca di semplificare le canzoni complesse, o un chitarrista esperto che cerca di esplorare nuove sonorità, il capotasto mobile può essere uno strumento prezioso nel tuo arsenale musicale. Ricorda, la cosa più importante è sperimentare e divertirsi con il tuo strumento, e il capotasto mobile può aiutarti a fare proprio questo.

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Chi ha inventato la chitarra
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Chi ha inventato la chitarra: Una profonda immersione nella storia della chitarra

La chitarra è uno strumento musicale che ha attraversato secoli, culture e continenti. Ma chi ha inventato la chitarra? Questa domanda ci porta in un viaggio attraverso la storia, dall’antico Medio Oriente alla moderna Spagna. In questo articolo, esploreremo le radici della chitarra, come si è evoluta nel corso dei secoli e come è diventata lo strumento che conosciamo e amiamo oggi.

a man holding a wooden instrument in his hands

Le radici della chitarra: Il liuto

Le radici della chitarra possono essere rintracciate fino agli antichi strumenti a corde del Medio Oriente, come il liuto. Questi strumenti, come si può vedere nell’immagine qui a fianco, erano molto diversi dalle chitarre moderne, ma la loro influenza è innegabile. Il liuto era uno strumento a corde pizzicate, con un manico lungo e una cassa armonica a forma di “pera”. Era uno strumento popolare nelle corti reali e veniva spesso utilizzato per accompagnare il canto e la danza.

La nascita della chitarra moderna

La chitarra moderna, con la sua forma a noi familiare e le sue sei corde, è stata sviluppata in Spagna nel XVIII secolo. Questo strumento, come si può vedere nell’immagine qui a lato, ha subito poche modifiche da allora e rimane uno degli strumenti musicali più popolari e amati al mondo. La chitarra moderna è caratterizzata da un manico sottile e una tavola armonica piatta e larga, fasce curve e un fondo solido, che insieme producono un suono ricco e risonante. Le sue sei corde sono solitamente accordate in mi, la, re, sol, si, mi, dalla più grave alla più acuta.

La chitarra nel jazz e oltre

La chitarra ha giocato un ruolo fondamentale nella nascita e nello sviluppo del jazz. Chitarristi come Django Reinhardt e Wes Montgomery hanno rivoluzionato il modo di suonare la chitarra, introducendo tecniche innovative e un nuovo linguaggio musicale.

Ma è con l’avvento del rock and roll negli anni ’50 che la chitarra ha assunto un ruolo preponderante. Chitarristi come Chuck Berry e Elvis Presley hanno fatto della chitarra l’emblema del rock, mentre Jimi Hendrix e Eric Clapton hanno spinto i limiti della chitarra elettrica, esplorando nuovi territori sonori. Oggi, la chitarra è uno strumento fondamentale in quasi tutti gli stili musicali, dal pop al metal, dal country al blues.

La chitarra è uno strumento versatile e espressivo, capace di produrre una vasta gamma di suoni e stili musicali. Che tu sia un principiante che sta appena iniziando o un musicista esperto, la chitarra ha qualcosa da offrire a tutti. Continua a seguire il nostro blog per ulteriori approfondimenti sulla storia e la tecnica della chitarra.

man playing guitar in grayscale photography
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Come scegliere un insegnante di chitarra
Come scegliere un insegnante di chitarra 924 900 Andrea

6 Consigli per Scegliere un Insegnante di Chitarra

La scelta di un insegnante di chitarra può richiedere una certa riflessione. Per agevolare questo processo, questo articolo propone sei criteri essenziali da considerare.

  1. Recensioni Verificabili su Google
a row of yellow stars sitting on top of a blue and pink surface

Un primo criterio da considerare sono le recensioni dell’insegnante su Google. Queste recensioni possono fornire un quadro generale dell’efficacia dell’insegnante, del suo approccio all’insegnamento e della sua interazione con gli studenti.

  1. Qualifiche Accademiche ed Esperienza
woman in red long sleeve shirt holding red and black academic hat

Le qualifiche accademiche e l’esperienza dell’insegnante sono un altro elemento importante. Un background accademico in musica può essere un indicatore di competenza tecnica e di conoscenza teorica. Allo stesso tempo, l’esperienza nell’insegnamento può dimostrare la capacità di trasmettere queste competenze agli studenti.

  1. Musicista vs Insegnante: le Capacità Educative e Empatiche Contano
woman and child playing piano

È fondamentale ricordare che un eccellente musicista non è automaticamente un eccellente insegnante. L’insegnamento richiede una serie di competenze pedagogiche e spiccate doti empatiche, come la capacità di adattare il proprio stile di insegnamento alle esigenze individuali degli studenti, la pazienza, la capacità di motivare e la volontà di dedicare tempo ed energia alla formazione di altri. Queste qualità sono fondamentali e dovrebbero essere valutate insieme alle competenze tecniche.

  1. Vicinanza da Casa o Lavoro e Possibilità di Lezioni Online
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La posizione geografica dell’insegnante e la possibilità di fare lezioni online sono altri due fattori da considerare. Le lezioni online possono essere un’opzione conveniente se l’insegnante non è nelle vicinanze, mentre le lezioni di persona possono essere preferibili se la vicinanza non è un problema.

  1. Disponibilità di Giorni e Orari
a calendar with red push buttons pinned to it

La disponibilità di giorni e orari dell’insegnante dovrebbe adattarsi al tuo programma. Se hai impegni di lavoro o altri impegni, è fondamentale trovare un insegnante con orari flessibili.

  1. Compatibilità con il tuo Budget
a wallet with a bunch of money sticking out of it

Il costo delle lezioni è un fattore rilevante. È importante trovare un equilibrio tra la qualità dell’insegnamento e ciò che puoi permetterti di spendere.

  1. Prenotazione di una Lezione di Prova
man playing guitar in grayscale photography

Infine, prenotare una lezione di prova può essere molto utile. Questo ti darà l’opportunità di sperimentare direttamente il metodo di insegnamento dell’insegnante e di capire se si adatta al tuo stile di apprendimento.

In conclusione, la scelta di un insegnante di chitarra richiede la considerazione di una serie di fattori. Tenendo conto di questi criteri, sarà possibile fare una scelta informata che favorisce un’esperienza di apprendimento efficace e soddisfacente.

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Come si accorda una chitarra
Come si accorda una chitarra 1024 576 Andrea

Introduzione

tilt shift photo of guitar clef

Accordare la chitarra è uno degli aspetti più fondamentali della pratica strumentale, che sia per un principiante o un musicista esperto. Fortunatamente, oggi abbiamo a disposizione strumenti come app, accordatori a clip, accordatore con cavo jack e diapason che semplificano il processo (rispetto all’accordatura ad orecchio). Ma come utilizzare questi strumenti nel modo corretto? Scopriamolo insieme in questa guida.

Utilizzo di GuitarTuna per l’accordatura della chitarra

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GuitarTuna è un’app gratuita per accordare la chitarra estremamente popolare e facile da usare. Disponibile per Android e iOS, GuitarTuna può aiutare chiunque ad accordare la chitarra in pochi semplici passaggi:

  1. Scarica l’app da Google Play Store o Apple App Store.
  2. Apri GuitarTuna e seleziona il tipo di chitarra che desideri accordare (ad esempio, acustica, elettrica, basso, ukulele…).
  3. Pizzica una corda alla volta. L’app rileverà il suono e ti indicherà se la corda è accordata correttamente o se devi allentare (senso antiorario) o stringere (senso orario) la corrispondente chiave di accordatura.
  4. Ripeti il processo per tutte le corde.

Con la pratica, usare GuitarTuna per accordare la chitarra diventerà semplice e rapido.

Accordare la chitarra con un accordatore a clip

Un accordatore a clip è uno strumento portatile che si attacca alla paletta della chitarra e rileva le vibrazioni delle corde. Ecco come usarlo:

  1. Attacca l’accordatore a clip alla paletta della chitarra.
  2. Accendi l’accordatore e seleziona la corda che desideri accordare.
  3. Pizzica la corda. L’accordatore visualizzerà se la corda è troppo tirata (nota crescente) o troppo allentata (nota calante).
  4. Gira la chiave corrispondente fino a quando l’accordatore non indica che la corda è accordata correttamente.
  5. Ripeti per tutte le corde.

Utilizzo dell’accordatore con cavo jack

A black-and-white shot of a wire plugged in into a guitar

Un accordatore con cavo jack è ideale per le chitarre elettriche o acustiche amplificate. Ecco come usarlo:

  1. Collega il cavo jack della chitarra all’accordatore.
  2. Accendi l’accordatore e pizzica la corda che desideri accordare.
  3. L’accordatore indicherà se devi allentare o stringere la chiave di accordatura.
  4. Ripeti il processo per tutte le corde.

Accordare la chitarra con un diapason

Il diapason è uno strumento che produce una nota di riferimento precisa (solitamente un “La” a 440Hz). Per accordare la chitarra con un diapason:

  1. Colpisci il diapason su una superficie morbida e avvicinalo all’orecchio. Ascolta attentamente la nota.
  2. Pizzica la corda che corrisponde alla nota del diapason (la corda “A” per un diapason a 440Hz).
  3. Confronta i due suoni. Se la corda della chitarra suona più alta o più bassa della nota del diapason, regola la chiave di accordatura di conseguenza.
  4. Ripeti fino a quando la corda non suona alla stessa altezza della nota del diapason.
  5. Accorda le altre corde in relazione a questa.

Conclusione

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L’accordatura della chitarra può sembrare un compito impegnativo, ma con gli strumenti giusti e un po’ di pratica, diventerà una parte integrante e gratificante del tuo percorso musicale. Sia che tu scelga GuitarTuna, un accordatore a clip, un accordatore con cavo jack o un diapason, ricorda che l’obiettivo è sempre lo stesso: creare il giusto sound che ti permetta di esprimerti attraverso la musica.

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Cinque consigli per imparare barrè puliti e precisi alla chitarra
Cinque consigli per imparare barrè puliti e precisi alla chitarra 640 480 Andrea

Cinque consigli per eseguire barrè puliti e precisi alla chitarra

Se sei un chitarrista alle prime armi o anche un musicista esperto, è probabile che ti sia imbattuto nella sfida del barrè. Questa tecnica, che richiede l’uso di un dito per premere tutte le corde della chitarra allo stesso tempo, può sembrare un vero scoglio da superare. Molti chitarristi si ritrovano frustrati e talvolta abbandonano proprio a causa di questa difficoltà. Tuttavia, non disperare! Con un po’ di pratica, pazienza e i giusti consigli, sarai in grado di eseguire barrè puliti e precisi senza problemi. In questo articolo, ti fornirò cinque consigli essenziali per superare le difficoltà del barrè e raggiungere il suono nitido e professionale che desideri.

1. Posizione corretta della mano e del pollice: Assicurati di posizionare il pollice circa a metà della larghezza del manico, dietro di esso, mantenendo l’indice in posizione arcuata. Evita che il pollice sporga troppo dal manico.

2. Premi con la parte laterale dell’indice, quella dalla parte del pollice (a sinistra, guardando il palmo della mano). Esercitati progressivamente: Inizia allenandoti a fare il barrè con un solo dito, l’indice, senza la forma di accordo completa. Concentrati sulla pressione corretta e sulla pulizia del suono.

Spostamento del barrè lungo la tastiera: Una volta che hai acquisito una buona padronanza del barrè su una posizione specifica, esercitati a spostare il barrè lungo tutta la tastiera della chitarra. Ricorda che nella parte vicina al capotasto avrai bisogno di una maggiore pressione, mentre man mano che ti allontani dal capotasto, la tensione delle corde diminuisce.

3. Sgrana l’accordo per verificare la correttezza: Dopo aver eseguito il barrè, utilizza il plettro per suonare ogni singola corda una alla volta, verificando se il suono risulta pulito e chiaro come se l’accordo fosse suonato in modo aperto. Questo ti aiuterà a capire se hai fatto correttamente il barrè e se hai applicato la giusta pressione sulle corde.

4. Una volta che hai padroneggiato questa fase, procedi a eseguire la forma base dell’accordo, escludendo solo l’indice. Successivamente, passa alla forma completa del barrè, utilizzando tutte le dita necessarie per l’accordo.

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5. Ascolta il tuo corpo e fai stretching: Durante l’esercizio del barrè, ascolta il tuo corpo e smetti immediatamente se avverti dolore o crampi. Prima di iniziare una sessione di esercizi di barrè, fai un po’ di stretching per riscaldare il braccio e la mano. Inoltre, ricorda di fare pause e di scuotere la mano per evitare tensioni e affaticamento costante.

Con questi cinque consigli, potrai migliorare la tua tecnica di barrè alla chitarra e ottenere suoni puliti e precisi. Ricorda che la pratica costante e la pazienza sono fondamentali per raggiungere una buona padronanza di questa tecnica.
Spero che questo articolo gratuito ti sia piaciuto, fammi sapere cosa ne pensi ed eventuali richieste nei commenti!

pedaliera amplificatore e chitarra
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11 Migliori Effetti Per Chitarra Elettrica
11 Migliori Effetti Per Chitarra Elettrica 1333 924 Andrea

I migliori pedalini per chitarra elettrica

Sebbene le preferenze siano come sempre un fatto soggettivo, ci sono 11 effetti per chitarra elettrica che vengono spesso considerati tra i migliori. Ve li elenco e vi metto il link di qualche modello carino

  1. Pedale wah-wah: crea un suono “parlante” facendo oscillare la frequenza del segnale. Il più classico e storico esempio: Jim Dunlop Cry Baby® Wah – Pedale ad effetto per chitarra – Modello GCB95
  2. Pedale del volume: permette di controllare il volume del segnale in modo dinamico. Io mi sono trovato molto bene con questo, che non necessita di alimentazione: BOSS FV-500H
  3. Pedale delay: ripete il segnale in un determinato intervallo di tempo, creando un effetto di “eco”. Non lo possiedo ma ho altri TC Electronic, e secondo me qualità/prezzo sono prodotti ottimi: FLASHBACK 2 DELAY
  4. Pedale chorus: Il pedale chorus amplifica l’effetto sonoro di “coro” replicando il segnale originale e aggiungendo ritardi e lievi variazioni di velocità di campionamento. Questa sovrapposizione di segnali crea la percezione di multiple fonti sonore simultanee, similmente a un ensemble di voci o strumenti. Un classico, quello usato dai Nirvana, che ho posseduto: SMALL CLONE EHX
  5. Pedale reverb: aggiunge un effetto di riverbero al segnale, dando l’impressione che il suono si stia diffondendo in un ambiente. Io uso questo e mi trovo molto bene, si può controllare anche dalla app sul cellulare: HALL OF FAME 2
  6. Pedale overdrive: crea un suono distorto e “saturato” facendo distorcere il segnale in modo controllato. Prendete questo se vi piace John Frusciante, ma nel rock lo usano in tantissimi: BOSS SD-1
  7. Pedale phaser: crea un effetto “ondulato” facendo variare la fase del segnale. Ad esempio: MXR PHASE 90
  8. Pedale tremolo: crea un effetto di “tremolo” facendo variare il volume del segnale in modo regolare. Questo pedale Fender sembra interessante: MTG TUBE TREMOLO
  9. Pedale harmonizer: aggiunge note armoniche al segnale, creando un effetto di “coro” più complesso. Un costoso ma ottimo esempio? EHX POG 2
  10. Pedale pitch shifter: cambia il pitch (la frequenza) del segnale, permettendo di creare effetti di “whammy” o di “parlato”. Sia per harmonizer che pitch shifter, una scelta quasi obbligata è il WHAMMY DIGITECH
  11. Pedale compressore: riduce la dinamica del segnale, creando un suono più uniforme e “pieno”. Per me è uno dei pedali più utili dopo il riverbero. Attualmente io uso WAMPLER EGO COMPRESSOR
pedaliera per chitarra elettrica
Pedaliera per chitarra elettrica

In che ordine vengono inseriti i pedali?

L’ordine in cui vengono inseriti i pedali può avere un impatto significativo sul suono finale. In generale, i pedali vengono inseriti nella seguente sequenza:

  1. Pedali di modifica del tono (wah-wah, equalizzatore, overdrive, distorsore, etc.)
  2. Pedali di modifica del tempo (delay, chorus, flanger, phaser, etc.)
  3. Pedali di modifica del volume (compressore, volume, tremolo, etc.)

Tuttavia, questo ordine può variare a seconda delle preferenze individuali o del tipo di suono che si sta cercando di ottenere. Alcuni musicisti potrebbero preferire inserire il compressore prima degli altri pedali di modifica del tono per aumentare la definizione delle note, mentre altri potrebbero inserire il delay prima degli altri pedali di modifica del tempo per creare un suono più “spazioso”.

Inoltre, alcuni pedali possono essere inseriti in un “loop” dedicato, che consente di inserire e rimuovere facilmente tutti i pedali che si desidera utilizzare in un determinato momento. In questo caso, l’ordine in cui vengono inseriti i pedali all’interno del loop non ha alcun effetto sul suono finale.

In generale, l’ordine in cui vengono inseriti i pedali dipende dalle preferenze personali e dal tipo di suono che si sta cercando di ottenere.

pedali Boss per chitarra
Pedali Boss per chitarra

Come possiamo alimentare i pedali per chitarra?

I pedali per chitarra possono essere alimentati in diversi modi, a seconda del modello e delle preferenze personali. Ecco alcune opzioni comuni:

  1. Batterie: molti pedali per chitarra possono essere alimentati da batterie alcaline o a bottone. Questa è una soluzione semplice e pratica, ma può essere costosa se si usano molti pedali o se si suona spesso. Comunque normalmente si utilizzano batterie a 9v come questa.
  2. Alimentatore: molti pedali per chitarra possono essere alimentati tramite un alimentatore esterno. Gli alimentatori forniscono una corrente costante e affidabile, ma possono ingombrare un po’ e richiedere un cavo di alimentazione supplementare. Io mi trovo bene con lo SPOT ONE che ha la daisy chain.
    Una “daisy chain” è una serie di adattatori che permette di collegare più pedali per chitarra in modo da alimentarli contemporaneamente utilizzando un unico cavo di alimentazione. In generale, gli alimentatori multipli e le “daisy chain” sono molto utili per i musicisti che utilizzano molti pedali per chitarra, poiché consentono di ridurre l’ingombro e il numero di cavi necessari. Tuttavia, è importante assicurarsi che gli adattatori e gli alimentatori utilizzati siano compatibili con i pedali per chitarra e che forniscano una corrente sufficiente per alimentarli tutti contemporaneamente.
  3. Batterie ricaricabili: alcuni pedali per chitarra possono essere alimentati da batterie ricaricabili. Questo può essere più conveniente e rispettoso dell’ambiente rispetto alle batterie alcaline, ma può richiedere l’acquisto di un caricabatterie separato.
  4. Pannello solare: alcuni pedali per chitarra possono essere alimentati anche tramite pannelli solari. Questa è una soluzione ecologica e pratica, ma può non essere sempre disponibile in condizioni di scarsa illuminazione o in ambienti chiusi.
Telecaster e pedaliera per chitarra
Telecaster e pedaliera per chitarra

In generale, l’opzione migliore dipende dalle preferenze personali e dalle esigenze specifiche del musicista.

woman in denim jacket playing guitar
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Come scegliere tra chitarra classica, elettrica o acustica
Come scegliere tra chitarra classica, elettrica o acustica 1386 924 Andrea

Come scegliere tra chitarra classica, elettrica o acustica

Per scegliere tra chitarra classica, elettrica e acustica è necessario innanzitutto vedere in che modo producono il suono. La chitarra classica utilizza corde di nylon, che producono un suono più morbido e caldo rispetto alle corde di metallo utilizzate dalle chitarre acustiche ed elettriche. Queste ultime, invece, hanno un suono più brillante e potente.

black and white string lights
Corde per chitara classica
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Un’altra differenza importante è nella costruzione delle chitarre. La chitarra classica e l’acustica hanno un corpo più grande rispetto alle elettriche. Le chitarre elettriche, invece, hanno un corpo più piccolo e un manico più stretto, il che le rende più adatte all’esecuzione di una varietà di generi musicali.

grayscale photography of guitar heads
Chitarre e bassi

Infine, una chitarra elettrica ha la capacità di amplificare il suono grazie all’utilizzo di pickup e amplificatori, mentre una chitarra acustica e classica non hanno questa capacità (a meno che non siano amplificate!) e il suono viene prodotto solo dalle corde e dal corpo dello strumento. Esistono tuttavia anche chitarre acustiche (e classiche) amplificate.

grayscale photo of person holding guitar neck and strings

Una chitarra acustica può essere amplificata in diversi modi. Uno dei metodi più comuni è l’utilizzo di un microfono, che viene posizionato vicino alla chitarra e collegato a un amplificatore. In questo modo, il suono prodotto dalla chitarra viene captato dal microfono e amplificato tramite l’amplificatore.

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man playing guitar grayscale photo

Un altro modo per amplificare una chitarra acustica è quello di utilizzare un pickup, che viene montato sulla chitarra e funziona come un microfono elettrico. Il suono prodotto dalla chitarra viene captato dal pickup e inviato a un amplificatore, dove viene amplificato.

È meglio iniziare a suonare con la chitarra elettrica, acustica o classica?

La scelta della chitarra con cui iniziare a suonare dipende dai tuoi gusti personali e dal genere di musica che desideri suonare.

Se ti piace la musica pop, rock, blues, metal o jazz una chitarra elettrica potrebbe essere una buona scelta iniziale, poiché questi generi di solito richiedono un suono più brillante e potente. Le chitarre elettriche sono anche più facili da suonare rispetto alle chitarre acustiche o classiche, poiché hanno un manico più fino e le corde sono più sottili e più vicine al manico.

grayscale photo of man and woman standing on stage

Se ti piace la musica folk, country o pop, se ti piacciono i cantautori, una chitarra acustica potrebbe essere una scelta migliore. Le chitarre acustiche sono versatili e possono essere utilizzate per suonare una varietà di generi musicali. Inoltre, sono più facili da trasportare e non hanno bisogno di essere collegate a un amplificatore per suonare, il che le rende ideali per suonare all’aperto o in piccoli spazi.

woman in denim jacket playing guitar
Chitarra acustica

Se ti piace la musica classica o flamenco, la bossa nova e altri generi cantautorali, oppure se sei un principiante assoluto e vuoi iniziare a suonare senza investire una fortuna nello strumento, una chitarra classica potrebbe essere la scelta ideale. Le chitarre classiche hanno corde di nylon che producono un suono più morbido e caldo rispetto alle corde di metallo utilizzate dalle chitarre acustiche ed elettriche. Inoltre, le corde di nylon sono inoltre più delicate sui polpastrelli dei principianti.

In generale, quale chitarra è meglio iniziare a suonare dipende dai tuoi gusti personali e dal genere di musica che desideri suonare. In ogni caso, la cosa più importante è scegliere uno strumento di buona qualità che sia comodo e piacevole da suonare (e, per questo, è molto importante provarlo).

Eccellente
In base a 61 valutazioni
Valeria Filippone
Valeria Filippone
2023-05-29
Consigliamo vivamente questo insegnante di musica. Non potevamo trovare persone migliore per l'approccio con i bambini. Dalla seconda alla quarta elementare seguiti da lui. Grazie Maestro Andrea sei speciale!
Greta Ferrara
Greta Ferrara
2023-05-29
Andrea è un professionista che passa da un genere all'altro con grande facilità. Chitarrista eccezionale e insegnante attento e professionale. Lo consiglio.
Alessandra Bennardo
Alessandra Bennardo
2023-05-26
Ottimo insegnante..in grado di gestire livelli diversi e di portare a progredire chiunque. Sereno e serio
Stefania Parodi
Stefania Parodi
2023-05-25
Il Maestro Andrea, persona gentile, paziente e simpatica, ha trasmesso la passione per lo studio della chitarra e della musica a mio figlio Leonardo che ha 9 anni felicissimo di frequentare le sue lezioni, in poco tempo è riuscito ad imparare divertendosi i primi rudimenti della disciplina. Ascoltando suonare Leonardo anche la sorellina di 6 anni si è avvicinata a questo meraviglioso strumento musicale e mi ha chiesto di poter frequentare anche lei il prossimo anno le lezioni del Maestro Andrea.
Valentina Zoboli
Valentina Zoboli
2023-05-25
Oltre alle indiscusse capacità di Andrea mi preme sottolineare quanto sia empatico e attento nei confronti dei suoi allievi. In questi due anni di lezioni mia figlia ha acquisito, oltre alla conoscenza dello strumento, fiducia in se stessa e motivazione. E' un valore aggiunto di enorme importanza e trovo che faccia la differenza.
Paola D'Augusta
Paola D'Augusta
2023-05-25
un insegnante davvero in gamba e una persona eccezionale: bravo, competente, attento, paziente. Consigliatissimo.
Rubikha Kamalarajah
Rubikha Kamalarajah
2023-05-02
Pratico fin dal primo giorno, Andrea è un ottimo maestro perché è in grado di trasmettere passione, voglia di suonare (sempre) e dandoti spunti nuovi. Sempre disponibile e flessibile sia nel tarare le lezioni e generi in base ai proprio gusti ed interessi ma anche nell'organizzazione delle lezioni, caratteristica importante per allievi-lavoratori che hanno orari settimanali poco stabili.
Simone Ritorto
Simone Ritorto
2023-05-02
Uno dei migliori insegnanti e musicisti a Genova,riesce sempre a farti finire la lezione togliendo ogni dubbio sull'argomento di volta in volta affrontato e a ispirarti a studiarlo con desiderio questo nostro amato strumento,provare per credere.
Stefano Cassani
Stefano Cassani
2022-12-09
Persona squisita, chitarrista molto preparato e di talento, insegnante paziente, capace di adattarsi al livello degli studenti e al loro genere preferito. Utilissime le clip e i memo registrati live durante le lezioni e condivisi in tempo reale! Grande Andrea!
Alessandro Lovato
Alessandro Lovato
2022-12-04
Insegnante bravo e molto paziente anche con i piccoli "musicisti" in erba... consigliato!

P. IVA N° 02330120995

© 2023 Andrea Golembiewski

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